29/11/10

HELENA ALMEIDA EN LA EXPOSICIÓN MUITO OBRIGADO


Helena Almeida

Dentro de Mim, 1999, Fotografía

La preocupación por los sentimientos, la incomunicación, la soledad y la ruptura son algunos de los temas presentes en la intransferible obra de la artista portuguesa Helena Almeida (Lisboa, 1934).

"Mi obra es mi cuerpo, mi cuerpo es mi obra". Con estas pocas palabras, Helena Almeida intenta resumir el contenido de una exposición donde la propia artista es el objeto retratado. Aunque en diferentes etapas de su vida ha recurrido a la escultura o la pintura para manifestarse, la fotografía es el lenguaje en el que la creadora lisboeta ha compendiado las otras formas de expresión artística.

Almeida aparece siempre retratada sola en sus fotografías. Su forma de trabajar es totalmente peculiar. Ella piensa en un tema. Dibuja innumerables bocetos con la puesta en escena. Decide cómo va a posar. Busca la solución técnica y finalmente su marido, el también artista Artur Rosa, se encarga de disparar la cámara Nikon. Después, el revelado se hace en el mismo estudio con el que trabajan desde la década de los setenta. Almeida explica por qué es su marido el encargado de retratarla: "Es importante que las fotografías tengan lugar en el espacio físico en el que las pensé y las proyecté y, por eso, tiene que ser alguien próximo a mí". Y nadie más cercano a ella que Artur. Casados desde muy jóvenes, pasean estos días por Madrid cogidos de la mano como si se acabaran de conocer.

Aunque nunca se ha planteado utilizar en sus fotografías otro modelo que no sea ella, la artista asegura que no tiene nada que ver con el narcisismo o el egocentrismo: "Tiene que ver con que desde muy pequeña tenía que hacer de modelo para mi padre, el escultor Leopoldo Almeida, cosa que me fastidiaba mucho. Y luego, curiosamente, decidí ser mi propia modelo". A medio camino entre la performance (captación de un instante) o el body art (el cuerpo como protagonista absoluto), Almeida explica que nunca ha querido estar vinculada a tendencias o modas. Jamás se ha obsesionado por exponer ni por formar parte de élites artísticas. Lo suyo es más una poesía callada y sensual con la que retrata sus sentimientos más profundos.
La obra Dentro de Mim forma parte de la exposición Muito Obrigado que tiene lugar en el DA2 y está formada por artistas portugueses que integran la colección de la Fundación Coca-Cola y el DA2 de Salamanca.

25/11/10

HOY SE ABRE AL PÚBLICO LA EXPOSICIÓN MUITO OBRIGADO


“Muito Obrigado” es una exposición colectiva que reúne los trabajos de una decena de artistas portugueses de diferentes generaciones, trabajando sobre todo tipo de lenguajes y soportes (pintura, escultura, fotografía, instalación, vídeo, performance) que forman parte de la Fundación Coca Cola y se complementa con aportaciones de piezas de otras colecciones públicas y privadas españolas como la del DA2 o el MUSAC.

La muestra, que revela el deseo de Coca Cola de tender puentes con el país ibérico; hace convivir artistas de tres generaciones que han producido sus obras entre 2000 y 2010, entre los que destacan creadores plenamente consolidados desde la década de los 70/80 de la talla de Helena Almeida, Julião Sarmento o Jose Pedro Croft, artistas de gran proyección internacional en la última década, algunos de los cuales ya han expuesto en en el DA2 como Vasco Araujo o João Onofre y valores emergentes del país vecino como Rui Toscano o Pedro Valdez Cardoso.

Descarga en este enlace el folleto de mano de la exposición

23/11/10

EXTRACTO TEXTO CATALOGO PROYECTO PARA CÁRCEL ABANDONADA


Se necesita amar lo que se hace para destinar una buena parte de tiempo y esfuerzo a desenterrar de manera apasionada la historia -cualquier historia- de los muros de lugares en los que se sabe hubo vida.
En nuestras ciudades, la proliferación de edificios abandonados y convertidos en ruinas está generando una práctica con la que se siente muy identificada la cultura urbana contemporánea. El acto del derrumbe -frente a lo que supone el hecho de la reconstrucción- se llena de múltiples significados de los que en muchas ocasiones no son conscientes. En este escenario, las piezas elaboradas por María Jesús y Patricia abandonan su estatus objetual -en el sentido mas expandido del término- para convertirse en una reflexión dirigida a replantear la naturaleza intrínseca del espacio vivido como un territorio lleno de contradicciones y tensiones en el que la memoria y la recuperación se dan cita.

Mediante un minucioso proceso nos muestra el protagonismo que otorgan a un espacio que tras haber sido colonizado ellas intentan re-colonizar simbólicamente. Diferentes tiempos y vivencias se entremezclan y en el centro de está intersección lo que destaca es la búsqueda de una nueva capacidad de significación espacial no exenta de incertidumbres. Observan y se relacionan con los espacios sobre los que actúan como si de seres vivos se tratara, lugares en los que se pueden captar sonidos y movimientos de lo acontecido. Elementos en los que las distorsiones del objeto son, a su vez, el discurrir de un pensamiento en el que la huella sobre la pared proporciona el vocabulario (...)
*Extracto del texto de Paula Santiago con motivo de la publicación del catálogo Proyecto para cárcel abandonada de Patricia Gómez y María Jesús González. La exposición permanecerá abierta en el DA2 hasta el próximo 16 de Enero de 2011.

22/11/10

ANUNCIO EXPOSICIÓN JULIAN ROSEFELDT


Os adjuntamos uno de los carteles anunciadores de la Exposición Retrospectiva de Julian Rosefeldt que como sabéis permanecerá abierta en el DA2 hasta el próximo 16 de Enero de 2011.
La fotografía corresponde a uno de los Making Of de la pieza American Night, una instalación con 5 pantallas donde aparecen escenas prototípicas de los films del oeste salpicadas con giros inesperados que descotextualizan la imagen y nos llevan a un estado de reflexión sobre lo que allí está sucediendo.

10/11/10

JULIAN ROSEFELDT/ MAKING OF

(Extracto del texto publicado por Javier Panera en el número 39-40 de la revista Art.es dedicada en este número integramente a Alemania)
La primera vez que me enfrenté con el trabajo de Julian Rosefeldt (Munich, 1965) fue con motivo de la exposición colectiva Barrocos y Neobarrocos. El Infierno de lo Bello, celebrada en el DA2 de Salamanca en 2005. La obra con la cual participaba era Asylum (2001-2002), una monumental instalación inmersiva de nueve pantallas que me pareció muy util para materializar conceptos que el semiólogo Omar Calabrese utilizaba para explicar la "era neobarroca". Con su estructura narrativa circular, fragmentaria, polifónica, Asylum se aproxima a uno de los temas más candentes de la sensibilidad europea: la inmigración. Rosefeltd contrató como actores a 120 personas, la mayoría inmigrantes, que interpretaron su propia existencia como trabajadores extranjeros que se afanan en la ejecución mecánica de los únicos trabajos de una sociedad (llena de miedos y prejuicios) espera de ellos: limpiadoras, repartidores de periódicos, cocineros, trabajadoras del sexo...

Frente al estilo aparentemente "amateur", tan frecuente en la videografía contemporánea (especialmente en artistas que tocan temas sociopolíticos), las instalaciones de Rosefeldt, que puede trabajar con película de 16 y 35 mm, son impactantes despliegues audiovisuales sobre la "teatralización de la vida cotidiana" mediante procedimientos alegóricos y citas a la historia del arte; sumergiendo al espectador e un laberinto de proyecciones que plantean complejas relaciones espaciales y emocionales y sumergiendole en una experiencia sensorial inmediata que puede llegar a ejercer un atractivo hipnótico y dejarlo psicológicamente indefenso, pero cuya lectura no siempre es fácil: son obras exigentes e incluso radicales en cuanto al "contrato" que establecen con el espectador. Rosefeldt parte de un concienzudo replanteamiento de la propia "experiencia expositiva" en la que intenta controlar toda la puesta en escena museística: "Cuando estás en el cine, estás sentado, mirando, y todos tenemos más o menos la misma sensación sobre la secuencia de montaje. Pero nuestro comportamiento respecto al montaje en una exposición es totalmente distinto..." apuntaba al respecto en una entrevista reciente.
Cuando el espectador transita por instalaciones como Asylum (2001-2002) Trilogy of Failure (2004-2005) o American Night (2009), no solo se libera de la "paralisis cervical" a la que le someten el cine y otras imágenes en movimiento, sino que se está cuestionando el consumo pasivo de imágenes. Fracturando la narración y la integridad del campo visual y sonoro, se desafían los sistemas de percepción del espectador obligándole primero a "tomar posiciones" y luego "tomar decisiones", para invitarle finalmente a elaborar sus propias teorías interpretativas. En sus instalaciones, como diría Antonio Muntadas: "la percepción requiere participación". Como buen artista neobarroco, es amigo de las paradojas y viene a decirnos que no solo la obra de arte es un espacio ficcional, sino que también lo es el museo, reivindicando con ello el propio espacio expositivo como legítimo "teatro del mundo". Algunas de sus instalaciones más conocidas "ponen en escena" (como so de un "Tableau Vivants" se tratara) rituales cotidianos cuidadosamente coregrafiados que se ven interrumpidos por acciones absurdas, parecen sacadas del mundo de los sueños y nos obligan a reconsiderar de modo permanente los límites entre realidad y representación.